Categoria: Recensioni

Oggi l’America parla greco antico 

Settemilatrecentocinquantasei. 7.356 gli omicidi a Chicago tra il 2001 e il 2015. Il numero di soldati americani morti in Iraq tra il 2003 e il 2011 è di “appena” 4.424. Chi-raq, Chicago come l’Iraq, nell’America dove è più facile acquistare una pistola che un computer, e la vita di un nero vale meno di un dollaro. Chi-raq, dove la comunità black è vittima e carnefice di se stessa, come l’esercito americano in Medioriente. Chi-raq, dove vicini di casa e poliziotti fanno paura allo stesso modo.

Spike Lee rivisita la Lisistrata di Aristofane per mostrarci i peggiori difetti dell’America contemporanea sotto la luce della satira, proprio come il commediografo greco usava prendersi gioco della sua Atene. E lo fa usando i caratteri propri della commedia: dialoghi in rima, giochi di parole, mediazione del coro, musiche, balli e canti. Solo che nel sud di Chicago al posto del metro greco si usa la rima rappata, e la guerra non è tra due Leghe nemiche, ma tra bande di quartiere.

Viola per gli Spartani, arancione per i Troiani, il colore definisce in modo drastico e netto le fazioni rivali, entrambe appartenenti alla comunità nera, entrambe consumate dalle incessanti sparatorie. Ma i cecchini hanno una pessima mira, e spesso e volentieri, per le strade della South Chicago, sotto i proiettili ci finiscono i più piccoli. La loro unica colpa: essere usciti di casa per giocare. Ed ecco che questa volta tocca a Patty, l’ennesima bambina innocente coperta di sangue, l’ennesimo sparo in pieno giorno, l’ennesimo omicidio sotto gli occhi di tutti. Eppure, nessuno ha visto niente. Perché nessuno vede mai niente, a Chi-Raq.

Quella che ci si presenta è la faccia più drammatica dell’America, ma Spike Lee riesce a denunciarla con un sorriso satirico, portando tutto all’esagerazione, facendo di tutto una caricatura. Così, tra accenti tragici e comici doppi sensi, vediamo la bella Lisistrata convincere le donne del quartiere a fare uno sciopero del sesso per obbligare i propri uomini a interrompere le rivalità. Ne nasce un movimento, il “No peace = No pussy”, l’armeria cittadina viene occupata, e queste donne che lottano per la pace diventano un simbolo. In tutto il mondo mogli, fidanzate, prostitute e stripper si astengono dall’avere rapporti con i propri compagni e protestano per le strade chiedendo la pace.

Gli Stati Uniti d’America, la prima potenza al mondo, messa in ginocchio da un gruppo di donne che reclamano a gran voce un mondo più equo, dove poter far giocare i propri bambini all’aperto senza la paura di perderli sotto i colpi di pistola. Un mondo in cui lo Stato si occupi delle periferie, dell’istruzione, degli ospedali, in cui i ragazzi possano trovare una via alternativa alla delinquenza. Proprio come Aristofane criticava e prendeva in giro le alte cariche ateniesi, la magistratura oligarchica e antidemocratica, così Spike Lee si prende gioco dell’America che spende per guerre estenuanti, ma abbandona quei suoi cittadini che considera di serie B. Quell’America che investe tanto nell’esercito, ma poi vede i suoi poliziotti messi in ridicolo. Quell’America che viene osannata come baluardo della democrazia, ma alla fine, proprio come l’Atene di Aristofane, tanto democratica non è.

A cura di Margherita Ceci

Cambiamento o emancipazione?

Immergetevi per un attimo nell’atmosfera dell’Italia del 2000: tutto parla di cambiamento. Cambia secolo, cambia millennio, cambiano elettrodomestici e cambia modo di comunicare. Cambia tutto, tranne la vostra quotidianità.

Rosalba è una donna di mezza età, moglie dell’infedele Mimmo e madre di due adolescenti. Vive a Pescara con la sua famiglia, frequenta da sempre lo stesso giro di amici e nella vita fa la casalinga. La monotonia e l’insoddisfazione, forse inconscia, della sua vita stanno per essere distrutte dal cambio millennio. Il vento del Ventunesimo secolo le toglierà il paraocchi di quella tradizione divenuta prigionia, allargando il suo sguardo non solo verso il mondo ma anche verso sé stessa, innescando uno scontro dolcemente feroce tra passato e futuro.

A rendere possibile tutto questo è l’episodio che apre la pellicola: durante un tour inconfondibilmente italiano per i luoghi-simbolo del nostro Paese, Rosalba viene dimenticata in un autogrill dalla sua comitiva. Nonostante l’intimazione del marito a non muoversi, la donna decide di tornare a casa facendo autostop. È proprio nel dialogo (che lei non aveva mai avuto) con una estranea che si rende conto di quanto effettivamente la sua vita fosse bloccata: è spinta da questo pensiero che decide di visitare Venezia, giusto perché non l’ha mai vista, ed essere a casa l’indomani quando la sua famiglia sarà di ritorno.

Ma l’arrivo in laguna innesca sentimenti nuovi per la donna, sentimenti veri e profondi e la voglia di emanciparsi dal suo ruolo così pesantemente circoscritto da altri. A Venezia Rosalba scoprirà l’amore, la vita e la dignità del lavoro. Scoprirà mentalità e mondi diversi e sarà lei a cambiare, profondamente e radicalmente. Tutti questi elementi, insieme, la renderanno una donna emancipata ed indipendente.

Pane e tulipani si conferma come una commedia pluripremiata e apprezzata non solo in Italia, che con tenerezza e determinazione riesce ad essere attuale nonostante gli anni trascorsi, raccontandoci di tematiche senza tempo come il cambiamento e di tematiche ancora urgenti come l’emancipazione femminile. Il risultato di una regia e di un cast impeccabili è aver portato sul grande schermo un viaggio interiore denso, con cui tutti dobbiamo fare i conti se vogliamo davvero che la nostra esistenza collabori al percorso di quel mondo che vuole migliorare sempre un pochino, nella speranza che un giorno riusciremo a crescere i nostri figli a pane e tulipani.

A cura di Agnese Graziani

The Walk: il giusto omaggio ad una storia incredibile 

In The Walk, il momento più emozionante arriva senza dubbio dopo circa un’ora e trentacinque minuti. In quell’istante, Joseph Gordon-Levitt, che interpreta Philippe Petit, sta camminando su un filo teso tra le Twin Towers accompagnato da Per Elisa di Beethoven, il tutto sommato al panorama mozzafiato di New York. È la realizzazione del sogno del famoso funambolo, ma è anche il risultato di un climax durato sostanzialmente un’ora e mezza e accelerato nella parte finale del film. Quest’ultima non a caso risulta la più avvincente: il regista Robert Zemeckis ci mostra l’ideazione e la realizzazione del piano. Infatti, Petit non aveva alcun permesso per recarsi sul tetto di New York e pretendere di camminare da una torre all’altra. Tutto venne realizzato in completo anonimato e i protagonisti erano consapevoli che nel migliore delle ipotesi sarebbero finiti dietro le sbarre.

La prima parte del film, invece, è dedicata alla crescita di Philippe in Francia, dove sin da bambino si appassiona al funambolismo e ai giochi di prestigio. Sicuramente, se si divide la pellicola in due, non si può dire che i primi quarantacinque minuti siano coinvolgenti come i secondi. I dialoghi sono una mistura di inglese e francese che al posto di immedesimare lo spettatore, lo disorienta. Si cerca più volte la risata, trovandola in ben poche occasioni. Non molto accattivante è il personaggio di Papa Rudy, personificato da un Ben Kingsley senza colpe, che rispecchia lo stereotipo del direttore di circo giramondo di cui non si conoscono le origini. Anche lo stesso Philippe Petit è molto scontato, raffigurando il tipico artista testardo e incapace di accettare consigli.

D’altra parte, l’immagine di Parigi, sempre ricca di artisti in cerca di ispirazione o di personalità borderline, è senza dubbio corretta: la capitale francese non si può non considerare un melting pot di talenti. La regia e la fotografia sono piacevoli, così come il gioco tra il bianco e nero e il colorato che troviamo all’inizio. Si possono ritenere esagerati alcuni stereotipi americani sui francesi e alcuni stereotipi sugli americani che hanno stereotipi sui francesi, ma, dal momento che non si calca troppo la mano, risultano in realtà godibili. Gordon-Levitt rende perfettamente omaggio a Philippe Petit, che tra l’altro ha allenato di persona l’attore. Tutto sommato, The Walk è una pellicola gradevole e ben diretta, ma non un capolavoro. Non che questo importi: ogni tanto, guardarsi un bel film a lieto fine è quello che ci vuole. In questo caso, tuttavia, non per chi soffre di vertigini.

A cura di Alessandro Randi 

L’amicizia tra uomo e donna non esiste. O forse sì? 

Il primo incontro è odio: lei un’aspirante giornalista piena di energia, lui un giovane cinico abbandonato a se stesso. In comune hanno solo quel viaggio in macchina verso New York, ma entrambi non vedono l’ora che quelle 18 ore di strada finiscano il prima possibile. Cinque anni dopo si vedono di nuovo per caso, e questa volta è curiosità: lei fidanzata con un collega di lui, lui in procinto di sposarsi. «Tu che ti sposi? (ride)», «che c’è di tanto divertente?», «niente, è che non ti facevo così ottimista!». Altri cinque anni dopo, altro incontro casuale. Ma questa volta è amicizia: lei single da tre giorni, lui appena divorziato. Le reciproche delusioni amorose sono un ottimo argomento di conversazione, e dal condividere la sofferenza al creare un legame solido il passo è breve. Harry e Sally diventano amici così, curando l’un l’altra i propri cuori spezzati, tra un trasloco un po’ arrangiato e un’uscita al parco.

Se un libro non si giudica dalla copertina, un film non si giudica dal genere, e Harry ti presento Sally è proprio l’opposto di quel che ci si aspetterebbe da una commedia romantica americana. Il genere è quello, certo, ma epilogo a parte, di cliché hollywoodiani ha davvero poco. A partire dall’inizio, con i due protagonisti insieme fin dalla prima scena. Ma come? Dov’è la suspense, il preambolo iniziale, le storie che portano lei e lui ad incontrarsi? Sparite, cancellate, eliminate. Al regista non interessano, perché quello che viene dopo non è la storia di un sentimento complicato e sofferto – come da scontato copione – ma di un’amicizia inaspettata e costruita nel tempo.

Certo, è un’amicizia particolare, contraddistinta fin dall’inizio da un’enorme complicità. Eppure, tutto funziona: niente malizia, niente forzature, il rapporto si costruisce naturalmente giorno dopo giorno. Sembra quasi la rivincita di Sally, derisa anni prima da Harry durante quel lungo viaggio in macchina perché «uomini e donne non possono essere amici». «Il sesso ci si mette sempre di mezzo», diceva lui, e in effetti l’equilibrio tra i due si romperà proprio quando il confine fisico verrà meno. È solo a questo punto che intravediamo la commedia romantica così come siamo abituati a conoscerla: lei accusa il colpo, cercano inutilmente di tornare ad essere gli amici di prima, ma la frattura è ormai irreparabile. Lui prova a riallacciare i rapporti, ma solo quando si rende conto di averla persa capisce di esserne innamorato. Il finale è dei più classici: una corsa disperata per raggiungerla, con dichiarazione d’amore e bacio appassionato a concludere il tutto.

Harry ti presento Sally è una commedia dolce, ma che non scade nel banale neanche con il più classico dei finali; divertente, ma mai volgare; insolita, ma senza risultare artificiosa. È una commedia fresca che dialoga continuamente con il cinema di Woody Allen, dai titoli di testa accompagnati da un piacevole jazz, al protagonista maschile carico di cinismo. Esattamente come per Allen, anche qui sono i dialoghi – più che la trama – a rimanere impressi: siparietti serrati in cui fanno capolino massime di vita. Sfondo eletto di queste sticomitie, l’immancabile New York. E, soprattutto, è una commedia che sa di realtà: niente colpi di fulmine, niente amori sofferti, combattuti o urlati al mondo; ma dodici anni per trovarsi, senza capire nemmeno di essersi trovati. Una commedia dell’amore inconsapevole, che scambia un “ti voglio bene” per un “ti amo” e preferisce l’affetto al sesso. Finché qualcosa non si rompe, e la verità non può più essere ignorata.

A cura di Margherita Ceci