Autore: Agnese Graziani

Un viaggio alla scoperta de Il Traditore: il Cine-racconto della 1DAFM

Cine Racconti è questo il titolo del progetto a cui noi alunni della 1DAFM dell’Istituto Compagnoni di Lugo, tra il novembre e il dicembre del 2023, abbiamo dedicato tutte le seconde e terze ore dei nostri giovedì mattina. In classe, insieme a noi, c’erano la professoressa di Italiano Martina Vullo e l’esperta Agnese Graziani dell’associazione Filmeeting, che ci hanno guidato in un viaggio alla scoperta del mondo del cinema. Un viaggio bellissimo che si è concluso con la visione di un film, del quale abbiamo deciso di realizzare una recensione. Ci auguriamo che apprezziate il nostro lavoro da critici, ma se così non fosse, vi invitiamo a contattare il Polo tecnico per eventuali lamentele sulla brevità di certi percorsi che non durano mai abbastanza!

Il Traditore è un film del 2019 in cui il regista Marco Bellocchio racconta la storia di Tommaso Buscetta: primo pentito della storia della mafia italiana. Se l’intero film ruota attorno alle vicende di questo personaggio, soprannominato “il boss dei due mondi” per via della vita divisa tra la Sicilia e il Brasile, quella che Bellocchio ci restituisce è una panoramica molto più ampia, fotografando in maniera fedele le dinamiche intercorse tra i due principali clan mafiosi (corleonese e palermitano) in lotta fra loro per il potere, nella Sicilia degli anni ’80 e ’90.

È una fotografia vivida e inquietante, come quella che, in una delle prime scene del film, gli esponenti dei due clan si fanno scattare durante la festa di Santa Rosalia. Una foto che non manca di didascalie precise, come quelle che accompagnano sullo schermo i volti ipocriti di persone che si abbracciano, nascondendo le pistole da utilizzare se necessario contro i vicini, nelle tasche dei propri abiti eleganti. Presenti all’appello nomi noti e meno noti, fra i quali spiccano quelli del boss Totò Riina, di Salvatore Contorno (secondo pentito mafioso, interpretato da Luigi Lo Cascio) e ancora quelli di Benedetto e Antonio Buscetta. I primi spari non tardano certo ad arrivare: annunciati dal gioco visivo di numeri che scorrono (a indicare le vittime assassinate) e accompagnati dal suono di una lancetta, quasi a sottolineare l’inesorabilità del destino a cui le vittime stanno per andare incontro. Ad ogni numero un ticchettio e ad ogni ticchettio nuovo sangue versato. Sangue a cui si mescola quello dei figli dello stesso Buscetta, il quale, una volta scoperto all’interno della casa in cui latita in Brasile, complice la rabbia per la morte dei suoi figli e per il “tradimento” di chi avrebbe dovuto proteggerli, decide finalmente di collaborare.

Osservando questo personaggio serio, taciturno e fermo nelle proprie idee, alle prese con l’interrogatorio attuato dal giudice Giovanni Falcone, ci interroghiamo inevitabilmente sul senso del titolo del film: il tradimento è quello del pentito che, testimoniando, rinnega il sistema di cui faceva parte? O a tradire è la nuova mafia di ambiente corleonese che ha rinunciato ad ogni codice d’onore, che tocca bambini e donne, tradisce gli amici e nella quale il protagonista non si riconosce più?

Le domande nello spettatore si mescolano all’inquietudine e alla sorpresa generata da scene molto forti. Sono significative quelle che riguardano il Maxiprocesso: uno degli eventi più importanti della recente storia italiana, che ha contribuito alla condanna di tantissimi mafiosi. Nella ricostruzione scenografica dell’aula bunker hanno luogo situazioni estreme: c’è un imputato che si sveste, un altro – Salvatore Ercolano – che si cuce la bocca; donne che gridano e uomini deliranti si mescolano in un teatro di provocazioni a fronte delle quali il giudice risponde sempre mantenendo una certa pacatezza. È stato impressionante per noi vedere in classe le registrazioni di quel Maxiprocesso e renderci conto di come gli eventi che abbiamo osservato nel film non provengano dalla fantasia di un regista, ma siano accaduti veramente.

E la realtà è un elemento che nel film ritorna anche attraverso degli spezzoni video che rappresentano estratti di vita reale incastonati dentro al film: è il caso della scena di Buscetta che canta Historia de un amor (brano usato come leitmotiv all’interno della pellicola) e che costituisce solo uno degli espedienti che ci portano a percepire quello di Buscetta come un personaggio umano. Interessante è il racconto di una storia che il collaboratore di giustizia condivide con Falcone per rendere conto dei valori antichi della mafia che non toccava gli innocenti. La storia narra di un uomo che Buscetta stesso avrebbe dovuto uccidere e che è riuscito ad evitare la pallottola a lui destinata, facendosi scudo attraverso il figlio che aveva sempre portato con sé. Se questa storia sembra ribadire i principi di una mafia che non tocca gli innocenti, è interessante che il film si concluda con una scena in flashback che mostra Buscetta nell’atto di ammazzare l’uomo di cui raccontava a Falcone: scena che sembra voler ammonire sul fatto che, nonostante il suo contributo da pentito, quest’uomo rimane un mafioso che ha ucciso delle persone e che quindi va di certo lodato per il suo aiuto fondamentale, ma non mitizzato.

Noi della 1DAFM suggeriamo la visione de Il Traditore agli appassionati del genere, ma anche a chi, attraverso un film ben fatto e appassionante, desideri ripercorrere un pezzo di storia del nostro paese. Per un maggiore tuffo all’interno del film e del nostro lavoro, raccomandiamo di ascoltare inoltre l’intervista a Rosario Palazzolo: attore del cast nel ruolo di De Gennaro, oltre che regista teatrale e autore teatrale e letterario, che ha condiviso con noi il proprio vissuto all’interno del set, dando valore aggiunto al percorso fatto in questi mesi.

A cura della classe 1D AFM coordinati dalla prof.ssa Martina Vullo

 

 

Che cosa significa casa?

Antonio è un uomo di origini coreane che è stato adottato e vive nella città di New Orleans da quando è bambino. Ha alle spalle un passato pesante, fatto di violenze e di soprusi anche da parte di chi avrebbe dovuto proteggerlo: ciò lo ha costretto più volte a commettere reati per i quali ancora oggi paga le conseguenze. Nonostante questo, l’amore per Kathy e per la figlia di lei, che lui ha deciso di accogliere come se fosse sua, lo salva dal peggio: Antonio è adesso un uomo innamorato di sua moglie, ora incinta, e di sua figlia. La sua felicità, per quanto precaria e appesa al filo delle aspettative e del denaro, c’è ed è reale.

La situazione precipita quando Antonio fa a botte con un collega poliziotto di Ace, l’ex di Kathy e padre biologico di sua figlia: dopo questo episodio viene arrestato ma, per via delle sue origini, non viene trattato come tutti gli altri. L’atteggiamento discriminatorio delle persone che si relazionano con Antonio è evidente sin dalle prime sequenze del film, ed è una denuncia più che mai chiara. Questo elemento rimane sempre presente fino a raggiungere il suo culmine proprio nella scena dell’arresto, quando Antonio viene immediatamente trasferito in custodia presso il centro per l’Immigrazione e il Controllo doganale: secondo un qualche cavillo burocratico non meglio identificato, nonostante sia stato portato in America dalla Corea all’età di tre anni e sia sposato con una cittadina americana, Antonio si ritrova improvvisamente a doversi confrontare con il pericolo dell’improvvisa deportazione dall’unico Paese che ha sempre considerato la sua casa. Così come Jessie, la figlia di Kathy, chiama Antonio papà, nonostante questo non sia biologicamente suo padre, così Antonio chiama New Orleans casa, nonostante questa non sia tecnicamente la sua casa.

Ciò che Justin Cohn vuole silenziosamente urlare nelle sequenze di questo film è il diritto fondamentale di ogni uomo di avere una casa, intesa come luogo, fisico e non, in cui la relazione autentica fa crescere ed è basata sull’amore: quello di Kathy e Jessie per Antonio, quello di Antonio per loro e per la patria che ora gli viene negata. La narrazione è scandita e accompagnata da immagini mozzafiato degli splendidi paesaggi di New Orleans, in netto contrasto con le sequenze spente e buie dei luoghi dove questo diritto fondamentale viene negato dalla burocrazia e dall’indifferenza.

A cura di Agnese Graziani

Quale altro?

Quale può essere l’ultima occasione per Richie Lenz, un manager decaduto – e forse mai decollato – ad un passo dal fallimento definitivo? Levinson se la immagina così: un tour in Afghanistan con l’ultima cliente. Il viaggio parte in modo disastroso: un aereo di ultima classe sovraffollato, un benvenuto sotto le bombe. La sua star non regge e, dopo avergli rubato soldi e documenti, scappa a Dubai lasciandolo solo e disarmato. È così dunque che Richie è costretto ad arrangiarsi: trovare un modo per tornare indietro, dei soldi per sopravvivere e un tetto sotto cui stare. In questa mission sarà aiutato da un taxista appassionato alla cultura degli Stati Uniti e da una prostituta che vive in una roulotte: una compagnia improbabile ma fedele.

Sin dalle premesse, questa pellicola provoca la nostra coscienza e gli stereotipi di cui, volenti o nolenti, è pieno il nostro immaginario. Ad esempio, il titolo del film, tratto da una battuta di Richie nelle prime sequenze della pellicola, è decisamente indicativo: la Kasbah non ha nulla a che fare con l’Afghanistan, bensì è un elemento che, come gli fa notare sua figlia, appartiene alla tradizione del nord Africa. Se in un primo momento la scena può suscitare il riso, poco dopo viene da chiedersi in quanti di noi spettatori sapessero effettivamente che la Kasbah non fa parte della cultura afghana: la risposta potrebbe essere scomoda nell’era dell’all-inclusive. Perché viene da pensare che ciò che è diverso da noi alla fine sia tutto uguale; che non ci siano sfumature, che per noi occidentali ciò che non è “nostro” sia solamente “non-nostro”: in che senso e per quali ragioni, non ci interessa più di tanto.

E allora ci sono i militari americani “buoni” che proteggono i civili; i militari afghani che sparano senza senso, parlano una lingua incomprensibile a noi occidentali, odiano Broadway; gli occidentali che sanno solo parlare; i trafficanti di armi che agiscono per il “bene”; le donne afghane velate e proprietà del padre o del marito contrapposte alla prostituta americana buona e libera dagli schemi del Paese; il militare americano apparentemente senza pietà ma con la passione per la scrittura. Quanti stereotipi? Quanti luoghi comuni?

Forse il regista, rappresentandoli tutti sul grande schermo in maniera quasi irreale – sono tutti personaggi costruiti palesemente su un modello, non su una personalità – vuole mandare un messaggio in un modo nuovo: ci mostra esattamente quello che ci aspettiamo di vedere, in una narrazione chiaramente parziale ed esterna di un mondo che nella cultura occidentale è considerato un’unica cosa, non degna di approfondimento, solo altro da noi, solo diverso. Ma tutte queste aspettative incredibilmente soddisfatte alla fine potrebbero lasciarci un interrogativo: quale altro è nascosto nel diverso che ci viene incontro?

A cura di Agnese Graziani

Gioco di sguardi

Drasticamente piombato in una vita diversa. Precipitosamente chiamato a fare i conti con sé stesso. Inevitabilmente obbligato a cambiare sguardo sulla realtà che lo circonda. Sono queste le fasi che attraversa Bruno Salvati, regista di professione, quando scopre di essere malato: ha un tumore al sangue e senza trapianto ha il tempo contato.

Cosa rimane a un uomo malato, da poco separato e senza successo sul lavoro? In tanti forse risponderemmo: «niente», ma Bruni ci sfida. La sua risposta è un’altra e la urla forte e chiaro tra le sequenze di questo film: a quell’uomo rimangono gli sguardi. Lo sguardo penetrante della figlia, della dottoressa e della ex-moglie – unica parte del viso che può vedere a causa della mascherina – che lo tengono vivono durante la chemioterapia; lo sguardo rinnovato con cui lui guarda il padre e la madre ormai defunta; ma soprattutto lo sguardo con cui guarda sé stesso, che cambierà per sempre dalla diagnosi in avanti. Il percorso in cui Bruni ci accompagna è un intensissimo gioco di sguardi tra il protagonista e la sua vita: parzialmente autobiografica, la pellicola ci racconta di come alcuni eventi della vita – e a volte anche solo il continuare a vivere – facciano sì che il nostro modo di vedere le cose sia inevitabilmente trasformato. E che con questo cambi anche la nostra persona, e con lei tutta la nostra vita. È un percorso per guardare indietro, aprire gli occhi sul passato, ma anche e soprattutto sul presente: scoprire che «la sua testa è a forma di lampadina», che Roma è bella la mattina presto, che i suoi figli hanno varie allergie; scoprire che il cinema è davvero la sua passione e che, infondo, nessuno è perfetto, nemmeno lui.

Senza saperlo (il film è stato finito di registrare nel dicembre 2019), Francesco Bruni ha centrato in pieno uno dei temi a noi più quotidiani in questo momento storico: per via delle mascherine anche noi, oggi, siamo costretti a vedere il mondo e le altre persone solo attraverso i loro sguardi, perché del loro viso non vediamo nient’altro. E in questa pellicola dunque ne capiamo l’importanza, il valore e tutte le sfaccettature, anche nelle situazioni più drammatiche e disperate. Ed è solo così che vedremo, assieme a Bruno, «cosa sarà».

A cura di Agnese Graziani

Cambiamento o emancipazione?

Immergetevi per un attimo nell’atmosfera dell’Italia del 2000: tutto parla di cambiamento. Cambia secolo, cambia millennio, cambiano elettrodomestici e cambia modo di comunicare. Cambia tutto, tranne la vostra quotidianità.

Rosalba è una donna di mezza età, moglie dell’infedele Mimmo e madre di due adolescenti. Vive a Pescara con la sua famiglia, frequenta da sempre lo stesso giro di amici e nella vita fa la casalinga. La monotonia e l’insoddisfazione, forse inconscia, della sua vita stanno per essere distrutte dal cambio millennio. Il vento del Ventunesimo secolo le toglierà il paraocchi di quella tradizione divenuta prigionia, allargando il suo sguardo non solo verso il mondo ma anche verso sé stessa, innescando uno scontro dolcemente feroce tra passato e futuro.

A rendere possibile tutto questo è l’episodio che apre la pellicola: durante un tour inconfondibilmente italiano per i luoghi-simbolo del nostro Paese, Rosalba viene dimenticata in un autogrill dalla sua comitiva. Nonostante l’intimazione del marito a non muoversi, la donna decide di tornare a casa facendo autostop. È proprio nel dialogo (che lei non aveva mai avuto) con una estranea che si rende conto di quanto effettivamente la sua vita fosse bloccata: è spinta da questo pensiero che decide di visitare Venezia, giusto perché non l’ha mai vista, ed essere a casa l’indomani quando la sua famiglia sarà di ritorno.

Ma l’arrivo in laguna innesca sentimenti nuovi per la donna, sentimenti veri e profondi e la voglia di emanciparsi dal suo ruolo così pesantemente circoscritto da altri. A Venezia Rosalba scoprirà l’amore, la vita e la dignità del lavoro. Scoprirà mentalità e mondi diversi e sarà lei a cambiare, profondamente e radicalmente. Tutti questi elementi, insieme, la renderanno una donna emancipata ed indipendente.

Pane e tulipani si conferma come una commedia pluripremiata e apprezzata non solo in Italia, che con tenerezza e determinazione riesce ad essere attuale nonostante gli anni trascorsi, raccontandoci di tematiche senza tempo come il cambiamento e di tematiche ancora urgenti come l’emancipazione femminile. Il risultato di una regia e di un cast impeccabili è aver portato sul grande schermo un viaggio interiore denso, con cui tutti dobbiamo fare i conti se vogliamo davvero che la nostra esistenza collabori al percorso di quel mondo che vuole migliorare sempre un pochino, nella speranza che un giorno riusciremo a crescere i nostri figli a pane e tulipani.

A cura di Agnese Graziani